La Evolución del Solo de Jazz en el Piano
Tahiel Caracol (@caracolenpaz // @ConserConser)
La Evolución del Solo de Jazz en el Piano
Para hablar de la evolución del Jazz en el piano, podemos enfocarnos en dos ámbitos: El del piano en solitario, y el del piano solista en conjunto con una orquesta o ensamble.
En este caso, nos enfocaremos en el del piano como solista, para el cual contamos con un gran documental; “La evolución del solo de piano en el jazz” de Bill Dobbins, en el cual se muestra una misma obra, “All of Me” (Obra de Gerald Marks y Seymour Simons) arreglada en el estilo de veinticuatro distintos referentes del piano en el Jazz. Primero doce representantes de estilos tradicionales, y luego otros doce de estilos modernos.
En este documental se intenta resumir la evolución del jazz, y como bien sabemos, la evolución no siempre trata de algo "superior" a lo anterior, sino de algo adaptado a las circunstancias, y necesidades (en este caso expresivas) de una especie (en este caso la humana). Además, no se trata jamás de algo lineal, sino que consta de numerosas ramificaciones. De más está decir que al hacer un resumen siempre se será injusto, dejando un montón de gente sin mencionar, y en este caso, al hablar de pianistas que dejaron una huella indudable, constatada por todos, en el lenguaje del jazz, se ignora por completo las numerosas grandes pianistas y compositoras mujeres. Es mi plan pronto sumar a varias de ellas a esta publicación, tales como a Mary Lou Williams, Aziza Mustafa-Zadeh, Nina Simone, Geri Allen, Irene Higginbotham y Marina Ruiz Matta.
Scott Joplin
El ragtime es considerado el primer estilo jazzístico, o prejazzístico, e indudablemente Joplin es considerado el pianista más importante de dicho estilo.
El ragtime en realidad es como una especie de marcha sincopada. A diferencia de otros estilos pioneros del jazz, las corcheas y semicorcheas se interpretan con su valor rítmico estricto, en vez del estilo “atresillado” del swing. Al igual que en muchos de los solos de los primero estilos del Jazz, normalmente el rol de la improvisación se limita a la ornamentación melódica. Suelen tener un esquema muy parecido al de las marchas militares (AA BB A CC DD)
Jelly Roll Morton
Jelly Roll Morton fue el primer compositor importante de Jazz, como el primer verdaderamente pianista de jazz. Sus obras más conocidas, como las de Joplin, son usualmente interpretadas aún hoy en día. En diferentes versiones grabadas de las mismas piezas, los sólos de su banda solían ser casi idénticos entre sí, mientras que sus propios solos eran bastante diversos. Desde Morton hasta nuestros días, la mayoría de los pianistas de Jazz, suele tocar las corcheas con ese sentimiento relajado y suelto al que denominamos “swing”.
En los pioneros estilos de jazz, la mano izquierda solía jugar el mismo papel que en el ragtime, tocando bajos en primeros y tercer tiempos, y acordes en segundos y cuartos tiempos.
Sin embargo, el estilo pianístico de Morton, sonaba como una banda completa de Jazz al estilo de Nueva Orleáns: la mano izquierda se ocupaba de los bajos sincopados, propios de los trombones en el dixieland. Los aspectos rítmico-melódicos de la mano derecha, con frecuencia imitaban los clarinetes y las trompetas de las bandas de jazz iniciales. Morton solía utilizar su mano izquierda como si fuera un bombo. Este efecto disonante denominado cluster, fue utilizado de forma similar 40 años después por Horace Silver y Cecil Taylor. Por lo general, sus introducciones inician con una sorpresa armónica.
James P. Johnson
James P Johnson, es conocido como el padre del Stride Piano, el cual está muy relacionado con el ragtime, pero se lo interpretaba con un mayor sentimiento de relajación y swing, y frecuentemente en tiempos más rápidos. Sus composiciones más conocidas se utilizaban con mucha frecuencia en las “Cutting contest”, en las que les encantaba participar a los pianistas de los 20’ y los 30’. Johnson solía agrupar sus patrones de stride en la mano izquierda en grupos de tres negras. En lugar de emplear un bajo seguido de acorde, solía emplear dos bajos seguidos de acorde, lo cual causa una sensación de 3/4 en 4/4, causando tensión rítmica. También solía tocar dos notas simultáneamente a distancia de semitono. Esta es la forma en que los pianistas pueden emplear las llamadas “Notas blues” , que en realidad están entre estas dos notas. A diferencia de Morton, Johnson solía dejar la mayor sorpresa armónica para el final de la pieza.
Willie "The Lion" Smith
Willie “The Lion” Smith fue el primer pianista en emplear armonías impresionistas en el jazz.Las obras escritas por Smith en los 30’, causaron mucha influencia a Duke Ellington. Ambos muestran su mutua admiración en algunas de sus piezas. Smith utilizaba los tresillos de negra de una forma particularmente interesante. Al situarlos en el segundo o cuarto tiempo, la percepción de las líneas de compás se desdibuja, creando así tensión rítmica. Esta variación termina con una métrica que es lo más característico de los solos de Smith.
Earl Hines
Earl Hines fue uno de los pianistas más importantes dentro del jazz primigenio. Su mano derecha era muy melódica y a su estilo frecuentemente se le llamaba “estilo de trompeta”, posiblemente surgido por inspirarse en su padre trompetista. Hines solía emplear los típicos trucos de los primeros solos de vientos: los stopp times effects. las melodías rítmicas sin acompañamiento (breaks), la sensación de doble tiempo, etc. Al igual que muchos pianistas tempranos, hacía uso del trémolo para imitar el vibrato de los vientos. En lugar de tocar notas solas en la mano izquierda, Hines empleaba décimas, que producen un sonido mucho más lleno y potente. En cuanto a la complejidad rítmica, Fines fue el pianista más avanzado antes de Erroll Garner o Nat King Cole; tenía la habilidad de alargar ideas melódicas frescas continuamente. Ninguno otro pianista pionero estuvo tan lleno de sorpresas musicales; no es de extrañar que fuera el único a la altura de Louis Armstrong, como lo demuestran sus grabaciones de finales de los 20’.
Fats Waller
Fats Waller era tan talentoso escritor de canciones, director de orquesta y presentador, que sus extraordinarias habilidades como pianista pasaban a menudo desapercibidas. Fue el alumno más destacado de James P. Johnson.
Waller ha estado muy relacionado con el creciente repertorio de piano stride dentro de la canción popular estadounidense. Una de sus más importantes contribuciones pianísticas, es el uso de acordes de tres y cuatro notas en la mano izquierda que por su amplio espacio en intervalos de décima fue aprovechado por Hines y otros. Ese estilo de ejecución claramente influenció a Art Tatum.
Teddy Wilson
Teddy Wilson poseía un toque ligero y delicado, sin embargo podía crear un pulso poderoso y lleno de swing. Tenía un exquisito gusto melódico. En algunas ocasiones, especialmente en tiempos rápidos, tocaba décimas arpegiadas en negras en su mano izquierda, creando una variación interesante y transparente al acompañamiento stride. La habilidad de Wilson para las ornamentaciones armónicas sólo fue superada por Art Tatum. Con frecuencia su mano izquierda se puede escuchar divagando deliberadamente en busca de posibilidades diferentes, incluso en los estándares más interpretados.
Duke Ellington
Duke Ellington es considerado el más grande compositor de jazz de los Estados Unidos. También fue director de orquestas de jazz y un pianistas de sorprendente imaginación. Al igual que Morton, su ejecución pianística seguía un enfoque orquestal, pero al mismo tiempo podía tocar con propiedad stride, bebop, así como también los estilos vanguardistas. En sus piezas utilizaba armonías impresionistas muy coloridas, también tenía un aspecto más disonante basado en el blues, lo cual influyó a Thelonious Monk.
Art Tatum
Art Tatum, un pianista virtuoso singular en la historia del jazz, con una capacidad técnica increíble y difícilmente imitable, y de gran imaginación armónica, ha influenciado muchísimo a los pianistas de Jazz posteriores. En cuanto a extensiones armónicas y alteraciones, Tatum tenía un gusto exquisito, pudiendo modular a tonalidades lejanas y retornar justo en el momento exacto dentro de la forma de la obra que estuviera ejecutando. Su música es fiel representante de la ya existente tradición de rearmonizar canciones populares, tradición que continuó hasta llegar a una concepción pianística muy divergente como la de Bill Evans
Meade Lux Lewis
Meade Lux Lewis. El estilo popular de piano que se desarrolló paralelamente a los primeros estilos de jazz, fue el Boogie-woogie, estilo que se basa principalmente en la progresión del blues de 12 compases, que se combina con una variedad de bajos repetitivos u ostinatos. El Boogie-woogie es uno de los estilos de Blues más importantes a partir de los cuales evolucionaron las primeras formas del rock’n roll. EL primer ejemplo de este estilo fue inspirado por Meade Lewis.
En la mano izquierda se presenta un ostinato, el cual es un bajo o acorde pedal, que crea un estilo rítmico llamado “shuffle beat” (tiempo arrastrado).
En todos los estilos con raíces en el blues, incluido el jazz, a veces la nota de la melodía parece contradecir al acorde acompañante. Por ejemplo, la nota Fa podría ser acompañada por el acorde C7. Los músicos dotados pueden hallar formas de que estas notas “equivocadas”, suenen totalmente convincentes. Como solía decir Duke Ellington: “Si suena bien, está bien”.
Por supuesto, los músicos de todas las tradiciones siempre se guían por lo que suena mejor a sus oídos, luego aparece la teoría y trata de explicar por qué suena bien.
Pete Johnson
Suele comenzar sus piezas con un trémolo. La mano izquierda suele tocar octavas alternadas; una adaptación de Boogie-woogie del walking bass (bajo caminante), muy común en el jazz desde los 40’ hasta la actualidad. Este patrón particular de boogie suena muy similar al estilo disco. También se le llama eight to the bar (8 por comas), porque justamente suenan ocho corcheas por compás.
Jimmy Yancey
Suele utilizar un ostinato en su mano izquierda, basado en el ritmo que llevan los bateristas de jazz en los címbalos. Este ritmo, que consiste en notas del acorde alternadas en pares de corcheas, es comúnmente conocido como Ryde Rhythm (Ritmo galopante). Yancey suele iniciar el chorus final, con un send off (despedida) característico del boogie. Una característica especial de Yancey era que, sin importar la tonalidad en la que se encontraba la pieza, terminaba siempre en el acorde Eb7.
Modernos:
Thelonious Monk
Thelonious Monk fue uno de los pianistas y compositores más importantes que contribuyó al desarrollo del bebop, a principio de los 40’. Mucho del vocabulario jazzístico moderno, proviene de dicho estilo. Para Monk, los componentes del bebop no representaban una limitación musical, sino que le resultaban herramientas que potenciaban su imagina creativa. Las fuertes disonancias que empleaban tanto Monk como Ellington, no tenían nada de nuevo, no obstante la combinación de estas disonancias, con el vocabulario melódico del blues, inspiro prácticamente a todos los pianistas posteriores.
Considerado el alumno más importante de Monk, fue uno de los pocos pianistas en incorporar las disonancias de Monk a un estilo propio y convincente. Poseía fluidez técnica, y claridad en la articulación. Sus largas líneas melódicas, empleaban con frecuencia sustituciones armónicas. también presentaba armonías en un estilo llamado block chords (acordes en bloque), el cual consiste básicamente en no enlazar las voces, sino ejecutar los acordes uno tras otro en la misma inversión (o estado fundamental).
Oscar Peterson
Oscar Peterson heredó conceptos de Art Tatum, y del estilo Bebop, a su propio estilo. Solía hacer duplicación del ritmo de la melodía (en ambas manos), y duplicar la melodía octavando. Presenta también otro estilo de block chord. Además, gran parte del acompañamiento de la mano izquierda, solía contener sólo blancas tocadas en un modo conocido como two beat feeling (sensación de dos tiempos).
Erroll Garner
Erroll Garner. Su mano izquierda solía ser una adaptación pianística del estilo de Freddie Green llamado rhythm guitar style (estilo de guitarra rítmica). En la orquesta de Count Basie, Freddie Green solía tocar negras en cada tiempo del compás. Algunas veces, Garner añadía notas de bajo accidentales, que dan la pausa una poderosa sensación de movimiento hacia adelante. Al igual que Art Tatum, Garner era capaz de tocar con la misma facilidad en cualquier tonalidad, y como Tatum y Peterson, tocaba mejor sin el acompañamiento rítmico de la orquesta, pues no tenía así obstáculos para su creatividad musical. De forma repentina podía alterar libremente la forma de la canción y modular repentinamente a otra tonalidad. Estas introducciones inesperadas conducían de alguna forma al tema de forma lógica e impredecible.
Lennie Tristano
Lennie Tristano es uno de los pianistas más importantes del estilo cool. Continúa con el desarrollo de la línea melódica extensa, y con el desarrollo de las melodías cromáticas. Sus melodías se componían principalmente de corcheas, pero el uso de acentuaciones le concedía un poderoso sentido del ritmo cruzado a estas líneas en corcheas. Algunas de sus melodías hacían un acercamiento cromático a un acorde desde arriba o desde abajo. Aún habiendo hecho muy pocas grabaciones, numerosos pianistas se vieron influenciados por su más conocido estudiante; Lee Konitz, saxofonista alto. Elementos de su estilo musical se pueden apreciar en pianistas como Bill Evans, Clare Fischer, Herbie Hancock y Richie Beirach. Tristano en varias de sus grabaciones se lo oye haciendo uso de walking bass.
Bill Evans
Bill Evans es uno de los pianistas más influyentes de la segunda mitad del siglo. Como Monk, tenía la habilidad de desarrollar sus ideas melódicas y rítmicas con profusa claridad, apun cuando su estilo pianístico fuese un tanto diferente. Este aspecto, con frecuencia, carece de suficiente valoración, a la hora de hablar de sus contribuciones, pues el uso de armonías impresionistas, su clara conducción de voces, y su toque delicado, causaron mayor influencia en los pianistas posteriores. Tenía especial facilidad para el Waltz Jazz (Jazz Vals). Las modulaciones entre E♭ y G, así como el uso de pedales al final de cada chorus, son típicos en los solos grabados de Evans.
Clare Fischer
Clare Fischer posee un estilo armónico más cromático que el de Evans. Al igual que Ellington, usa múltiples líneas independientes para desarrollar sus ricas texturas armónicas. Sus arreglos durante los 50’, para el grupo vocal “The Hi-Los”, fueron muy influyentes armónicamente en Herbie Hancock. Lo esencial en su estilo es que las armonías rara vez resuelven por completo. Hay con frecuencia nuevas o persistentes disonancias incluso al final de las frases, lo que le brinda a su música un constante movimiento hacia adelante. Combinando elementos de Ellington, Konitz, Alban Berg y Shostakovich, desarrolla un estilo propio fresco y personal.
Jimmy Rowles
Jimmy Rowles, como algunos pocos, tenía la habilidad de transformar a su música en esencia pura. El tiempo de swing, sobre todo en tiempos medios, es su especialidad. Si bien se pueden reconocer elementos de Waller, Ellington y Monk, su estilo no deja de tener una impronta personal. Su música es profunda y con ingenio añade remembranzas de su vasto repertorio de estándares populares y expresa su irónico sentido del humor musical.
Cecil Taylor
Cecil Taylor. Gran parte de su música tiene más semejanza con la de Stockhausen y Xenakis que con la de Ellington y Monk, sin embargo Taylor ha tenido un significativo efecto en la composición de los años 50’. Solía hacer música atonal; haciendo uso de la serie dodecafónica, con fragmentos de melodía que se repiten, adornan y separan por cadencias libres.
Chick Korea
Chick Korea, a fines de los 60’, desarrolla un método para integrar escalas pentatónicas y acordes basados en intervalos de cuartas en las formas del jazz y estándares tradicionales. Fue enormemente influenciado por McCoy Tyner, si bien éste rara vez grabó como pianista solista. Pero Tyner desarrolló este vocabulario más en relación con el jazz modal. y el uso de pedales y ostinatos.
Keith Jarrett
Keith Jarrett posee un vocabulario musical tan vasto, que no tendría demasiado sentido hablar de su “estilo” musical. Una de sus facetas que difícilmente se pueda oír en otros pianistas de jazz, es su fraseo lírico y economía de medios, que puede recordarnos a la música de Chopin. Pero su ornamentación melódica con frecuencia se halla más cercana a la tradición jazzística. Mejor que cualquier otro pianista de jazz, Jarrett podía emplear armonía triádica simple de una forma bastante persuasiva.
Richie Beirach
Richie Beirach ha desarrollado un sólido estilo personal basado en los pedales, poliacordes y rearmonizaciones de los estándares. Solía variar de pedales, dándoles un sentido de identidad musical propia.
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